Скачать книги Философия искусства без регистрации

…а следом все умерли: Барт, Фуко, потом и Делёз. И в этом мрачном пространстве, оставленном интеллектуальными богами вчерашнего дня, оказалось, что философский постмодерн был тупиком, хитрым змием, кусающим собственный хвост: самопоеданием модерна, живого мертвеца. И что оставалось? Ступать в неизвестное, не-просвещенное мысленное пространство. Так теории стали темными. Животные и микробы, грибы и бактерии, непроницаемый космос и океанические бездны, холодные коды киберкультуры, нечеловеческое, постгуманистическое и даже антигуманистическое – их новые миры. Там, за последней полосой света, оставленного меркнущим Просвещением, трепещут тревожные тени гегелевской «ночи мира»: здесь Г. Ф. Лавкрафт смотрит фильмы Дэвида Кроненберга, а радикальные нигилисты – Ларса фон Триера, здесь спекулятивные реалисты читают Филипа Дика и носят ожившие костюмы от Мартена Маржела, экологические активисты пристально всматриваются в «Черное зеркало» и в «Чужого», киберпанки вслушиваются в оглушающую тишину Джона Кейджа, а темные делезианцы – в шумовые полотна Einstürzende Neubauten и в мизантропический вопль блэк-метала. Бруно Латур и Донна Харауэй, Квентин Мейясу и Грэм Харман, Ник Ланд и Реза Негарестани среди многих других отправляются в путешествие по катакомбам современного постгуманистического мышления. Мы пойдем вслед за ними – узнать, есть ли хоть что-то во тьме, и если да, то что именно.

Возможно, вы думаете, что «Догма-95» – это просто странный список правил из прошлого. Позвольте предложить другой взгляд. Это – самый радикальный и эффективный творческий метод новейшего времени, проверенный в бою. В этой книге вы найдете не сухую теорию, а живой опыт аскезы, который позволил группе бунтарей во главе с гениальным провокатором перезагрузить язык кино.

• В книге «"Догма-95" и Ларс фон Триер. Опыт аскезы» вы найдете не исторический очерк, а погружение в лабораторию художественной революции: как снять шедевр, если тебе запрещены музыка, грим и штатив?

• Почему отказ от контроля может стать главной силой режиссера?

• Что общего между детскими страхами Триера, философией Брехта и зернистым видео?

• Как десять «заповедей» победили голливудские миллионы на фестивалях Канн?

• Правда ли, что каждый, кто снимает на смартфон, – наследник «Догмы»?

Вы получите доступ к уникальным материалам – письмам и откровениям самих участников движения из Дании, США и Латинской Америки, которые впервые раскрывают историю изнутри. И проследите путь Ларса фон Триера – от шутника с ручной камерой до живого классика, чей «опыт аскезы» изменил представление о том, каким может быть кино.

Эта книга – для тех, кто верит, что главное в искусстве не бюджет, а смелость. А также для всех, кто хочет понять, как рождаются правила, которые стоит нарушать.

Это приглашение на красную дорожку самой дерзкой авантюры в истории кинематографа. Без прикрас, но с полным пониманием ставок.

Классика философской мысли – сборник включает ключевые тексты Хосе Ортеги‑и‑Гассета, одного из самых влиятельных мыслителей XX века.

Актуальность идей: тезисы о дегуманизации искусства и кризисе культуры, сформулированные почти сто лет назад, обретают новую значимость в эпоху цифровых медиа и массовой культуры.

Сборник охватывает широкий спектр тем: от анализа романа Сервантеса до критики политической системы – это показывает взаимосвязь эстетических, исторических и социальных процессов.

В сборник вошли важнейшие для творческого наследия Хосе Ортеги-и-Гассета работы – «Дегуманизация искусства», «Размышления о Дон Кихоте» и «Бесхребетная Испания». В первой великий философ рассматривает тему извечного противостояния искусства для избранных и для широкой публики, во второй – размышляет о революционном для своего времени романе Сервантеса, полностью изменившем вектор развития европейской культуры, и в заключительной работе сборника – «Бесхребетная Испания» – рассуждает об этике власти, общественной морали и неизбежном упадке государства, в котором власть достается не лучшим из лучших, а представителям безликого большинства.

В формате PDF A4 сохранен издательский макет книги.

Третья часть романа об эстетических удовольствиях. Вернувшись из Урбино в Россию, Ренато пытается обрести покой. Последние четыре месяца он жил в коттедже у Мартысвоей подруги и куратора, единственного человека, который, как когда-то его дорогая Нелли, понимает его без слов. Но грубая деревянная маска, привезенная Мартой с выставки, пробуждает в Ренато забытое желаниеснова писать портреты.

Визит к создательнице масок, Амаи, становится точкой невозврата. Их творческий союз с Мартой дает трещину. Ренато возвращается в свою студию, а она погружается в организацию ольфакторной выставки, вовлекая в проект и его. Именно там он встречает Полину, чувствуя, что их встреча была предопределена.

Судьба вновь приводит его в ресторан к Нелли, где события принимают неожиданный оборот. Останется ли Ренато с верной Мартой, чья тихая поддержка была его опорой, или выберет новое, роковое увлечение, грозящее разрушить хрупкий мир?

Каждый новый этап в истории визуальных медиа предполагает перезаключение негласного соглашения между экраном и зрителем. Этот договор – набор не всегда сформулированных конвенций, определяющих наши отношения с движущимися изображениями, на которые мы смотрим. Многие теоретики согласны с тем, что при столкновении с новой формой медиа возникает особый вид сознательного опыта.

Книга известного кинокритика Марии Кувшиновой возникла в результате наблюдений за трансформацией визуального под влиянием нейросетей и других цифровых технологий. Это попытка зафиксировать параметры нового договора между экраном и зрителем, который возникает на наших глазах.

Создатель «Театральной вешалки» предлагает не просто понять, а прочувствовать современный театр.

Книга «Как чувствовать современный театр» – это глубокое и личное исследование феномена современного театра в России. Создатель популярного сообщества «Театральная вешалка» Георгий Цицишвили приглашает заглянуть за кулисы и вместе задуматься: что же такого особенного в театре, что даже в эпоху интернета он не отпускает наше воображение и продолжает волновать сердца зрителей?

В центре внимания книги – не столько рациональное понимание спектакля, сколько умение чувствовать, проживать и эмоционально откликаться на сценическое действие. Автор убежден: современный театр – это пространство живого диалога, смелых споров и поиска истины.

Самое известное эссе Вальтера Беньямина исследует трансформацию художественного восприятия в условиях вторжения технических новшеств в творческий процесс, анализирует, как новые медиа изменили понимание уникальности и аутентичности произведения искусства, становящегося предметом массового потребления. Специально для настоящего издания автор классического перевода «Произведения искусства» Сергей Ромашко написал подробную статью и сопроводил ее подборкой текстов Беньямина, иллюстрирующих интеллектуальный путь автора к этой работе. Некоторые из них публикуются по-русски впервые («Медиум…», «Газета», «Размышления о радио», «Ответ на статью Оскара Шмитца», «О Микки Маусе»).

Экспрессионизм – не просто направление в искусстве, но особый, очень эмоциональный способ восприятия мира. Это искусство дисгармонии, раздробленного человеческого «я», гротескного и раздираемого кризисом мира.

Творчество художников-экспрессионистов – загадка, которую сложно разгадать, а созданные ими образы настолько многогранны и противоречивы, что, глядя на них, есть где разгуляться воображению. Акцент на яркие, открытые, контрастные цвета, смелые упрощенные или искаженные формы, динамичные ломанные линии и рваные штрихи – лишь малая часть того, что с первых же секунд привлекает внимание зрителя, увлекая его в эксцентричный мир искусства, где не всё так просто, как кажется на первый взгляд, ведь у каждой картины есть своя история, а у каждого художника – свой непревзойдённый и узнаваемый стиль, ставший визитной карточкой на века… Прочитав эту книгу, вы приоткроете завесу тайны живописи экспрессионизма.

Эта книга для меня, как для современного художника, – творчество, философское рассуждение о том, как искусство работает и взаимодействует со зрителем. Эта книга – эксперимент, в котором я предлагаю вам поучаствовать: можем ли мы понимать искусство без чьей-либо помощи?

Изобразительное искусство без личного опыта проживания, только по готовым ответам не дает опыта сопричастности и настоящей связи с произведением. Искусство дает ответы нам про нас самих. Оно – большая метафора, зеркало и собеседник.

Я хочу легализовать возможность думать самостоятельно, не полагаться на чье-то экспертное мнение, когда взаимодействуешь с искусством. Любая точка зрения, пересмотренная или измененная в процессе прочтения книги, значительно разнообразит ваше восприятие как искусства, так и мира в целом.

Может ли современность быть женской или мужской? Книга Риты Фельски – это попытка переосмыслить концепции модерна, сформированные на основе преимущественно мужского опыта. Балансируя между историко-культурным и теоретическим подходами, Фельски анализирует гендерные аспекты таких важнейших для современности понятий, как ностальгия, потребление, женское письмо, популярное, возвышенное, эволюция, революция, девиация и т.п. В зоне ее пристального внимания оказываются мужчины и женщины – литераторы: от Георга Зиммеля, Эмиля Золя, Оскара Уайльда и Леопольда фон Захер-Мазоха до Рашильд, Марии Корелли и Оливии Шрейнер. Как изменится наше понимание современности, если мы перестанем считать мужской опыт главным ориентиром и вместо этого изучим тексты, написанные преимущественно женщинами или о женщинах? Эта книга – стремление ответить на этот вопрос, выявляющее разнообразные и нередко противоречивые связи между феминностью и модерном. Рита Фельски – профессор Университета Вирджинии.

«Кино должно быть неудобным – как камешек в ботинке». – Ларс фон Триер

Ларс фон Триер – имя, звучащее как приговор, как шепот из самых темных уголков человеческой души. Режиссер-провокатор, визионер, чьи фильмы – не развлечение, а визуальный катарсис.

Он не стесняется боли, не боится уродства, и в этой смелости – его пророческий дар.

От догматичной аскезы «Идиотов» до эмоциональной мощи «Танцующей в темноте», от философского мрака «Меланхолии» до скандальной откровенности «Нимфоманки», Триер создал кинематографическую вселенную, где красота неотделима от страдания, а истина рождается в муках.

Книга «Кино Ларса фон Триера: Пророческий голос» – это не просто анализ фильмов, это путешествие в лабиринт сознания одного из самых значительных режиссеров современности. Она исследует эстетику избыточности и природу Зла, раскрывая глубинные смыслы, скрытые за шокирующими образами.

Эта книга – ваш проводник в мир Ларса фон Триера, если вы:

– испытываете отвращение и вместе с тем очарование его фильмами и хотите понять природу этого притяжения;

– стремитесь к глубокому анализу кинематографического языка и авторского стиля;

– интересуетесь философией кино и тем, как экран может отражать и предсказывать социокультурные сдвиги;

– цените интеллектуальное кино, выходящее за рамки развлекательного контента;

– хотите разгадать загадку гения, балансирующего на грани безумия.

Внутри вы найдете:

– детальный разбор ключевых тем в фильмографии Триера: от экзистенциального отчаяния до социальных и политических прозрений;

– исследование визуального стиля режиссера: от ручной камеры Dogme 95 до завораживающей операторской работы в поздних фильмах;

– анализ противоречий и скандалов, сопровождающих творчество Триера, и их влияния на восприятие его фильмов;

– глубокое погружение в символизм и метафоры, которыми насыщены его кинематографические полотна.

«Кино Ларса фон Триера: Пророческий голос» – это не книга для легкого чтения. Это интеллектуальный вызов, приглашение к серьезному разговору о кино как искусстве, способном определять наше восприятие реальности и заглядывать в будущее.

Михаил Мартынов ставит вопрос о политической онтологии черного цвета и исследует его радикальность в современном искусстве.

От анархистских флагов до визуальных практик blackout’а, от паноптической прозрачности до художественного сопротивления свету – автор стремится проследить, существует ли у черного цвета универсальные характеристики отрицания/бунта.

Через анализ разных культурных и исторических примеров автор показывает, как черный цвет и связанные с ним художественные формы могут стать инструментом для переизобретения социального порядка на анархистских началах.

Почему тело, движение и одежда так часто выступают фигурами знания? Откуда происходят выражения «голая истина» или «проникновение за покровы» в смысле научного открытия? Книга Ирины Сироткиной – сборник эссе о телесных метафорах познания. Первая часть книги посвящена дихотомии между одеванием и раздеванием: речь идет о будуарных открытках начала XX века, костюмах Льва Бакста, созданных для балета Сергея Дягилева, образе распадающейся материи в авангардном танце и многом другом. Вторая часть фокусируется на телесном знании: автор прослеживает, как на протяжении истории менялись «техники тела», как танец стремился избавиться от обуви, а человеческое тело вступало в симбиоз с цифровыми технологиями. Ирина Сироткина – исследовательница двигательной культуры, автор книг «Классики и психиатры» и «Свободный танец в России», вышедших в издательстве «НЛО».

Как изменится наше восприятие действительности и суждения о ней, если мы прислушаемся к окружающим нас шуму и тишине? Этот вопрос является нервом исследования швейцарского теоретика Саломеи Фёгелин, посвященного всестороннему анализу вслушивания и различных манифестаций звукового искусства второй половины XX века – американскому минимализму, конкретной музыке, полевым записям, звуковым инсталляциям, рейвам и многому другому. Опираясь на феноменологию восприятия и критическую теорию, Фёгелин раскрывает основания собственной философской мысли: согласно ей слушание способно предложить новые способы аффективного познания и чувствования, а также обновление горизонтов существования, полного текучих резонансов, рефренов и эхоических отражений. Перед нами текст, бросающий вызов устоявшимся академическим лекалам – незавершенность и эфемерность звука требует особого «сонорного» письма, сопротивляющегося рациональным началам. Несмотря на фрагментарность и причудливость рассуждения Фёгелин, именно благодаря такому письму и вниманию к аудиальному присутствию мы оказываемся способны испытать удивление перед лицом мира.

Лауреат Букеровской премии Джулиан Барнс – один из самых ярких и оригинальных прозаиков современной Британии, автор таких международных бестселлеров, как «Шум времени», «Предчувствие конца», «Артур и Джордж», «История мира в 10½ главах», «Попугай Флобера» и многих других.

Своим первым опытом в жанре эссе об искусстве Джулиан Барнс называет главу нашумевшего романа-антиутопии «История мира в 10½ главах» (1989), посвященную картине Теодора Жерико «Плот „Медузы“». Именно поэтому, уже как самостоятельное произведение, в сборнике «Открой глаза» она оказывается первой из увлекательных коротких историй о художниках и их работах, приглашающих читателя проследить путь изобразительного искусства от начала XIX века до современности.

В этих эссе есть все, что традиционно присуще прозе Барнса: великолепное чувство стиля, виртуозное равновесие едкой иронии и утонченного лиризма, сарказма на грани цинизма и веселого озорства. Но еще это собрание тонких, остроумных и порой неожиданных наблюдений, дарящих не только литературное удовольствие, но и богатую пищу для ума.

В настоящее издание включены семь новых эссе об искусстве XIX века, которые впервые публикуются в русском переводе.

Существовал ли сюрреализм в СССР 1920–1940-х годов? Был ли он вторичным или совершенно независимым явлением? Как выявить и описать его части?

Эта книга – научно-художественное размышление об этих вопросах. Ее основой стала выставка «Сюрреализм в стране большевиков» (Центр авангарда и галерея «На Шаболовке», кураторы Александра Селиванова, Надежда Плунгян, 2017). Выставка была приурочена к 90-летию группы ОБЭРИУ, чью близость сюрреалистам часто отмечают исследователи. Как и на выставке, в книге живопись, поэзия и проза переплетаются, создавая представление о сюрреалистических течениях или импульсах в литературно-художественных средах Москвы и Ленинграда.

Альбомная часть с обширными комментариями к отдельным работам дополнена научными статьями Ирины Карасик, Александры Селивановой, Марии Силиной и Надежды Плунгян. В них говорится о сюрреализме в архитектуре и живописи 1920–1940-х, о подчас зыбкой границе между сюрреализмом и соцреализмом, о мистике, философии, музейном строительстве и сюрреалистических выводах из русского символизма. Значительная часть произведений публикуется впервые. Как и другие издания серии ЛИСИ_ЦА, книга предлагает новый комплексный подход к истории советского искусства первой половины XX века и обращена как к специалистам, так и к широкому кругу читателей.