Скачать книги Искусствоведение без регистрации

«Каждый человек заслуживает собственного музея», – говорил французский художник Кристиан Болтански, на протяжении многих лет исследовавший вопросы памяти и забвения. Он оказал большое влияние на современных художников, также ищущих способы осмысления и репрезентации напряжения между «маленькой памятью» и «большой памятью» (пользуясь выражением Болтански). В своей книге Татьяна Миронова показывает, что этот поиск приводит художников к работе с документом, которым становится практически любой предмет: дневник, памятный сувенир, письмо или случайно найденная фотография. Как утверждает автор, соединение таких материалов и художественных средств выражения формирует особое пространство, в котором статус документа меняется, а вслед за ним расширяется наше восприятие истории и памяти. Татьяна Миронова – исследовательница современного искусства, куратор, преподаватель НИУ ВШЭ.

Кристоф Виллибальд Глюк (1714–1787) – один из гениев, определивших пути развития музыкального искусства второй половины XVIII века. Современники полагали, что он совершил революцию в музыке. Глюковская реформа оперного жанра была начала трогательной историей любви – «Орфей и Эвридика» (1762) и завершена грозной и страстной трагедией «Ифигения в Тавриде» (1779). Но путь к реформе был долгим и тернистым: в молодости Глюк служил в княжеских капеллах, работал в кочующих антрепризах, писал музыку для празднеств венского двора. Его творчеством восхищались императоры и князья, философы и поэты, светские дамы и учёные-энциклопедисты. Книга профессора Московской консерватории Ларисы Кириллиной рассказывает о том, как сын лесника из глухой баварской деревни, неуклонно следуя своему призванию, покорил Италию, Австрию и Францию, а в конце жизни стал кумиром всей просвещённой Европы.

Книга кинокритика Льва Карахана «Отдаленные последствия» – это эксперимент. Автор пытается осмыслить сложный путь, пройденный после Второй мировой войны не только отечественным, но и западным кинематографом. В основе исследования – сравнение двух режиссеров-шестидесятников Андрея Кончаловского и Андрея Смирнова, и в частности, их недавних фильмов «Грех» и «Француз» (2019). Как изменилось более чем за полвека сознание жизнелюбивого оттепельного поколения? Как связано оно с западным кинематографом отчуждения? Как оно справлялось с кризисом витальности, когда оттепель сменили заморозки? Что такое наследие шестидесятников сегодня?

Вот основные вопросы, на которые автор ищет ответы, постоянно вовлекая в анализ все новые имена, явления, события.

Книга Катарины Лопаткиной – это исследование малоизученного художественного явления: японского пролетарского искусства. В центре внимания – японские художники 1930-х годов, чьи работы оказались в советских музеях. Вокруг истории этих, долгие годы неизвестных широкой публике, полотен разворачивается повествование о судьбах их авторов, культурных связях между Советской Россией и Японией и, шире, – об интернациональном художественном обмене в сталинскую эпоху.

Работа Екатерины Айгюн раскрывает ранее неизвестные аспекты жизни и творчества художников, скульпторов и фотографов-эмигрантов из бывшей Российской империи, поселившихся в Константинополе/Стамбуле в 1920–1930-е годы. В книге рассмотрены такие части города как Пера/Бейоглу, Галата, Исторический полуостров, Принцевы острова и Полонезкёй. Издание будет интересно широкому кругу читателей, включая исследователей русского зарубежья, искусствоведов, востоковедов, а также жителей Стамбула или тех, кто мечтает посетить этот город.

Книга посвящена экспериментальным направлениям современной типографики, базирующимся на наследии шрифтовой культуры прошлого и откликающихся на технологические изменения настоящего. Автор анализирует как работы мастеров русского и европейского авангарда, так и проекты современных дизайнеров-графиков и художников шрифта. Лаврентьева Екатерина – кандидат искусствоведения, доцент кафедры «Коммуникативный дизайн» РГХПУ им. С. Г. Строганова. Автор лекционного курса по истории графического дизайна.

В формате PDF A4 сохранён издательский дизайн.

Книга призвана научить читателя понимать архитектуру прежде всего как вид искусства.

В семи главах, которые, в соответствии с давней традицией архитектурных трактатов, автор назвал «книгами», рассказано об основных конструктивных решениях, о том, что творческая воля архитектора направлена не только на стены и перекрытия, но и на пространства между ними, о том, как отражаются в зодчестве представления об устройстве внешнего мира и о лабиринтах внутренних миров. Наконец, издание поможет познакомиться с основными этапами всеобщей истории архитектуры, с тем, какой стиль за каким следует и почему. Важная часть издания – иллюстративная составляющая. Это более 380 иллюстраций – фотографий, гравюр, картин, на которых представлены шедевры Микеланджело, Ле Корбюзье, Алексея Щусева, Константина Мельникова и других выдающихся зодчих.

Издание адресовано широкому кругу читателей, интересующихся архитектурой и историей искусства.

Книга одного из основателей американской медиевистики Чарльза Хаскинса, впервые переведенная на русский язык, – не просто классическое исследование по истории средневековой культуры. Именно в ней 100 лет назад в мировую науку было введено понятие «Ренессанс XII века». И именно здесь впервые на широком материале показаны корни новой европейской культуры.

Издание предназначено для историков, литературоведов, историков философии, искусства, всех интересующихся Средневековьем.

В формате PDF A4 сохранён издательский дизайн.

С этой картиной мы можем легко потеряться в дебрях интерпретаций. Что изображено, конечно трубка, простой бытовой предмет и символ рассуждения, задумчивости и глубокомыслия, изображая его в таком конечном и гиперреалистичном виде автор, подчеркивает, да на визуальном уровне это конечно трубка, и ничего другого, но Магритт как мы знаем, это сюрреалист, а сюрреализм это прежде всего работа с подсознанием, те с интерпретациями, снами, со всем тем, что нам не особо подконтрольно и ключом к этому является уже сам текст на картине, это не трубка? тогда, что это? да всё что угодно, что позволительно вашей фантазии или если хотите -бреду. В этом смысле, сама работа является очень значимой и рубежной, наше сознание навсегда прочно связано со словом, текстом, изображением, отними всё это и мы будем барахтаться и падать.

Sever

Если вы из тех, кто старается проскочить залы античного искусства в музеях поскорее, чтобы перейти к искусству более близкому и понятному, то после прочтения этой книги все изменится. Возможно, вы даже почувствуете желание немедленно рвануть в археологический музей или начнете искать способы попасть в Грецию по туристической визе.

В своей книге популяризатор археологии Теодор Папакостас рассказывает о колыбели западной цивилизации в легкой и доступной форме, помогая новыми глазами посмотреть на черепки и сосуды, статуи и храмы – свидетельства жизни тех удивительных народов, которые в разные времена населяли Пелопоннес, близлежащие острова и часть Малой Азии. Вы узнаете, как зародилась первая в мире демократия, верны ли популярные представления о Спарте, быстро усвоите основные идеи Сократа, Платона и Аристотеля, найдете смысл в различении типов колонн и керамики и никогда больше не заскучаете в Греческом зале.

Александр Таиров – талантливый художник, искусствовед, популяризатор творчества великих живописцев. Эдгар Дега, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Поль Сезанн, Жорж Сёра – герои настоящей книги, в которой раскрываются загадки этих удивительных личностей, секреты мастерства и мир образов их полотен.

Импрессионизм неспроста называют квинтэссенцией живописи. Взаимодействия цвета, бликов, света и тени, уникальная неповторимая техника позволяют картинам жить в пространстве и времени века, а их создателем быть у всех на устах.

Почему Дега друзья называли самым остроумным художником с самым скверным характером? Как Писсарро создавал методологию импрессионизма? За что Сезанн критиковал импрессионистов? Насколько тернист путь совершенства? Какова цена гармоничной композиции и ритма картин? Как оживает цвет на полотнах мастеров? Об этом и многом другом говорит с нами автор в своей книге.

К концу двадцатого века будущее, к которому были устремлены мечтания искусства и общества, перестало мыслиться как «светлое» и стало вызывать либо тревогу, либо безразличие. «Хонтология» – термин, предложенный французским философом Жаком Деррида и переосмысленный английским философом Марком Фишером – это поиски утраченной идеи будущего в заброшенных утопиях прошлого.

Книга Ирины Кулик – первое исследование хонтологии в современном российском и международном визуальном искусстве. Его героями стали Илья Кабаков и Роберт Смитсон, Пьер Юиг и Рикрит Тиравания, Джереми Деллер и Александр Гронский, Джон Рафман и Таисия Короткова, Даниэль Лопатин и Андрей Тарковский.

Почему не было великих художниц? (1971) – одно из самых известных искусствоведческих эссе новейшего времени, в котором Линда Нохлин, вскрывая ложную наивность одноименного вопроса и закладывая основы феминистской критики, исследует скрытые социальные и психологические предпосылки, делающие невозможным на протяжении большей части истории искусства присуждение статуса «гениального художника» определенным социальным группам, включая женщин. В настоящем издании не теряющее актуальности эссе 1971 года дополнено его авторской ревизией 2006 года, где Нохлин анализирует перспективы намеченной ею революции, а также введением историка современного искусства Кэтрин Грант.

Сегодня трудно представить, что некогда радио не просто соперничало за внимание публики с кино и телевидением, но было гораздо популярнее привычных нам визуальных медиа. В первой половине XX века радиовещание транслировало не только музыку, развлекательные передачи и новости, но оказывалось местом встречи множества экспериментальных практик, размывавших границы между популярным и элитарным искусством. Книга Джеффа Портера посвящена наиболее интересным страницам истории радиофонии позднего модернизма. Опираясь на философию, критическую теорию и звуковые исследования, автор подробно анализирует границы акустического и литературного воображения – многосерийные комедии и «мыльные оперы», театральные постановки классики, экспериментальные пьесы модернистов и даже практики саунд-арта. Среди героев его книги – Орсон Уэллс, Сэмюэл Беккет, Дилан Томас, Гленн Гульд и множество других деятелей, увидевших в радио не просто новое средство передачи информации, а пространство принципиально новой формы искусства.

Книга Дэвида Джослита, историка искусства и художественного критика, редактора журнала October, посвящена искусству США второй половины XX – начала XXI века, когда американские художники вышли на лидирующие позиции в мире и задали основные направления новаторских поисков в живописи (абстрактный экспрессионизм, поп-арт), скульптуре (минимализм), перформансе, инсталляции и других медиа. Автор дает образцовый исторический обзор этого периода, отбирая и группируя крайне разнообразный материал вокруг одной ключевой идеи – переосмысления художниками опыта приватности и публичности в новых социальных условиях, созданных обществом потребления. Подробный, информативный и превосходно иллюстрированный текст может служить введением в искусство эпохи постмодерна, а также справочным и учебным пособием.

В истории искусства второй половины ХХ века центрально- и восточноевропейский регион имеет гибридный статус обширной пограничной территории между «Западом» – капиталистической Европой, где в это время шло движение от неоавангарда к постмодернизму, и СССР, где кипела неравная борьба между архаизирующим соцреализмом и изобретавшим себя в изоляции независимым искусством. Этот статус границы объясняет как недостаток внимания к искусству стран «восточного блока», так и его многообразие, формировавшееся в постоянном диалоге с Западом и СССР и породившее множество самобытных явлений, одни из которых остались в тени, а другие получили развитие уже в постперестроечное время. Книга Рубена и Майи Фоукс – одна из первых попыток обобщить этот опыт. Она вводит в оборот большой массив архивного материала и обозревает разнонаправленные художественные тенденции Восточной Германии, Польши, Румынии, Болгарии, Венгрии, бывших Чехословакии и Югославии, конструируя историю искусства региона, без понимания которой невозможно оценить нынешнее новаторское искусство этих стран.