Скачать книги История искусства без регистрации

Книга Катарины Лопаткиной – это исследование малоизученного художественного явления: японского пролетарского искусства. В центре внимания – японские художники 1930-х годов, чьи работы оказались в советских музеях. Вокруг истории этих, долгие годы неизвестных широкой публике, полотен разворачивается повествование о судьбах их авторов, культурных связях между Советской Россией и Японией и, шире, – об интернациональном художественном обмене в сталинскую эпоху.

Книга посвящена экспериментальным направлениям современной типографики, базирующимся на наследии шрифтовой культуры прошлого и откликающихся на технологические изменения настоящего. Автор анализирует как работы мастеров русского и европейского авангарда, так и проекты современных дизайнеров-графиков и художников шрифта. Лаврентьева Екатерина – кандидат искусствоведения, доцент кафедры «Коммуникативный дизайн» РГХПУ им. С. Г. Строганова. Автор лекционного курса по истории графического дизайна.

В формате PDF A4 сохранён издательский дизайн.

Автором обозначена проблематизация мифа в современной философии. Мифы - это не только пережиток прошлого или древние сказания, а вполне себе актуальная проблема современного общества.

Книга призвана научить читателя понимать архитектуру прежде всего как вид искусства.

В семи главах, которые, в соответствии с давней традицией архитектурных трактатов, автор назвал «книгами», рассказано об основных конструктивных решениях, о том, что творческая воля архитектора направлена не только на стены и перекрытия, но и на пространства между ними, о том, как отражаются в зодчестве представления об устройстве внешнего мира и о лабиринтах внутренних миров. Наконец, издание поможет познакомиться с основными этапами всеобщей истории архитектуры, с тем, какой стиль за каким следует и почему. Важная часть издания – иллюстративная составляющая. Это более 380 иллюстраций – фотографий, гравюр, картин, на которых представлены шедевры Микеланджело, Ле Корбюзье, Алексея Щусева, Константина Мельникова и других выдающихся зодчих.

Издание адресовано широкому кругу читателей, интересующихся архитектурой и историей искусства.

Книга одного из основателей американской медиевистики Чарльза Хаскинса, впервые переведенная на русский язык, – не просто классическое исследование по истории средневековой культуры. Именно в ней 100 лет назад в мировую науку было введено понятие «Ренессанс XII века». И именно здесь впервые на широком материале показаны корни новой европейской культуры.

Издание предназначено для историков, литературоведов, историков философии, искусства, всех интересующихся Средневековьем.

В формате PDF A4 сохранён издательский дизайн.

Александр Таиров – талантливый художник, искусствовед, популяризатор творчества великих живописцев. Эдгар Дега, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Поль Сезанн, Жорж Сёра – герои настоящей книги, в которой раскрываются загадки этих удивительных личностей, секреты мастерства и мир образов их полотен.

Импрессионизм неспроста называют квинтэссенцией живописи. Взаимодействия цвета, бликов, света и тени, уникальная неповторимая техника позволяют картинам жить в пространстве и времени века, а их создателем быть у всех на устах.

Почему Дега друзья называли самым остроумным художником с самым скверным характером? Как Писсарро создавал методологию импрессионизма? За что Сезанн критиковал импрессионистов? Насколько тернист путь совершенства? Какова цена гармоничной композиции и ритма картин? Как оживает цвет на полотнах мастеров? Об этом и многом другом говорит с нами автор в своей книге.

Невероятные особняки столицы распахивают двери, чтобы показать вам самые красивые и богатые интерьеры дореволюционной Москвы.

Наверное, почти каждый знает про уникальный особняк Рябушинского на Малой Никитской, многие видели и знаменитую лестницу-волну с лампой-медузой. Скорее всего, вы не раз прогуливались мимо величественного особняка Зинаиды Морозовой на Спиридоновке. Но известно ли вам, что внутри одного из них спрятана тайная моленная комната, а в другом воссоздан целый викторианский замок? В новой книге Елены Крижевской роскошные интерьеры чередуются с интереснейшими подробностями о московских купеческих – и не только – семьях, современная жизнь особняков перемешана с давно забытыми историями.

В книгу включены дома, построенные или перестроенные в промежутке с 1870‑х до 1910‑х годов – всего 61 особняк и более 900 фотографий! Да, это настоящий фотоальбом с захватывающими панорамами и вниманием к деталям. Великолепный подарок для всех ценителей архитектуры и истории.

Елена Крижевская – победитель фотовыставки «Best of Russia», участник фотовыставки «За парадными дверьми», организованной фондом «Московское время». На ее страницы в социальных сетях, посвященных самым красивым домам столицы, подписано более 180 000 человек. Ее предыдущие книги «Архитектурная Москва. Путеводитель по зданиям и стилям» (в том числе карманная версия для прогулок), «Москва изнутри. Роскошные интерьеры и архитектурные истории» и «Непарадная Москва: доходные дома в историях и фотографиях» любимы тысячами читателей и регулярно попадают в списки бестселлеров.

В формате PDF A4 сохранен издательский макет книги.

Почему не было великих художниц? (1971) – одно из самых известных искусствоведческих эссе новейшего времени, в котором Линда Нохлин, вскрывая ложную наивность одноименного вопроса и закладывая основы феминистской критики, исследует скрытые социальные и психологические предпосылки, делающие невозможным на протяжении большей части истории искусства присуждение статуса «гениального художника» определенным социальным группам, включая женщин. В настоящем издании не теряющее актуальности эссе 1971 года дополнено его авторской ревизией 2006 года, где Нохлин анализирует перспективы намеченной ею революции, а также введением историка современного искусства Кэтрин Грант.

Сегодня трудно представить, что некогда радио не просто соперничало за внимание публики с кино и телевидением, но было гораздо популярнее привычных нам визуальных медиа. В первой половине XX века радиовещание транслировало не только музыку, развлекательные передачи и новости, но оказывалось местом встречи множества экспериментальных практик, размывавших границы между популярным и элитарным искусством. Книга Джеффа Портера посвящена наиболее интересным страницам истории радиофонии позднего модернизма. Опираясь на философию, критическую теорию и звуковые исследования, автор подробно анализирует границы акустического и литературного воображения – многосерийные комедии и «мыльные оперы», театральные постановки классики, экспериментальные пьесы модернистов и даже практики саунд-арта. Среди героев его книги – Орсон Уэллс, Сэмюэл Беккет, Дилан Томас, Гленн Гульд и множество других деятелей, увидевших в радио не просто новое средство передачи информации, а пространство принципиально новой формы искусства.

Советская эпоха закрылась, отодвинулась на дистанцию и стала видна как целое – противоречивое, динамичное и многоаспектное. Эта цельность бывает обманчива, так как умение считывать смыслы, естественные для обитателя СССР, не всегда доступно даже тем, кто чувствует эпоху. На материале советского кино – от картин Юлия Райзмана и фильмов военного периода до «Маленькой Веры» и «Бакенбардов» – антрополог и филолог, профессор Саратовского университета Вадим Михайлин реконструирует советские «языки умолчания», символические коды, без понимания которых невозможно составить убедительный портрет homo soveticus. Дополнительные главы, посвященные зарубежным фильмам, служат в книге в качестве внешнего референта, не дающего забыть о том, что советская визуальная культура, несмотря на свою уникальность, все же была локальным вариантом европейской культуры.

Книга Дэвида Джослита, историка искусства и художественного критика, редактора журнала October, посвящена искусству США второй половины XX – начала XXI века, когда американские художники вышли на лидирующие позиции в мире и задали основные направления новаторских поисков в живописи (абстрактный экспрессионизм, поп-арт), скульптуре (минимализм), перформансе, инсталляции и других медиа. Автор дает образцовый исторический обзор этого периода, отбирая и группируя крайне разнообразный материал вокруг одной ключевой идеи – переосмысления художниками опыта приватности и публичности в новых социальных условиях, созданных обществом потребления. Подробный, информативный и превосходно иллюстрированный текст может служить введением в искусство эпохи постмодерна, а также справочным и учебным пособием.

В истории искусства второй половины ХХ века центрально- и восточноевропейский регион имеет гибридный статус обширной пограничной территории между «Западом» – капиталистической Европой, где в это время шло движение от неоавангарда к постмодернизму, и СССР, где кипела неравная борьба между архаизирующим соцреализмом и изобретавшим себя в изоляции независимым искусством. Этот статус границы объясняет как недостаток внимания к искусству стран «восточного блока», так и его многообразие, формировавшееся в постоянном диалоге с Западом и СССР и породившее множество самобытных явлений, одни из которых остались в тени, а другие получили развитие уже в постперестроечное время. Книга Рубена и Майи Фоукс – одна из первых попыток обобщить этот опыт. Она вводит в оборот большой массив архивного материала и обозревает разнонаправленные художественные тенденции Восточной Германии, Польши, Румынии, Болгарии, Венгрии, бывших Чехословакии и Югославии, конструируя историю искусства региона, без понимания которой невозможно оценить нынешнее новаторское искусство этих стран.

Каждая страница – это открытие, каждая картина – это революция. В этой книге собраны самые значимые полотна, которые стали отправной точкой для целых поколений мастеров кисти. Автор книги-бестселлера проведет вас по важным художественным произведениям, чтобы вы могли с легкостью понимать причины зарождения всех направлений искусства. Отсканировав QR-код, вы расширяете возможности для познания нового, детально изучаете каждый шедевр и видите в них то, что ранее было скрыто от ваших глаз. Именно благодаря этой книге вы узнаете, как гениальные полотна влияли на судьбы художников и меняли творческие парадигмы своих эпох. Это не просто история о живописи – это история о людях, вдохновении и культуре, которая не знает границ.

Книга британского искусствоведа Деборы Ховард – незаменимый путеводитель по архитектурной истории Венеции, прослеживающий эволюцию ее строений от древности до наших дней. Впервые изданная на русском языке, ее работа представляет собой уникальное исследование, наполненное редкими, тщательно проанализированными сведениями, с изображениями и планами. Ховард увлекательно рассказывает об архитектурных традициях великого города на берегах Лагуны, раскрывая их тесную связь с политическими, религиозными, социальными и экономическими факторами. Особое внимание уделено выдающимся мастерам Возрождения и более поздних эпох – Сансовино, Палладио и Лонгене. Автор подробно исследует не только знаменитые памятники, но и менее известные здания, что делает кншу бесценной для глубокого изучения архитектурного наследия города.

Монография станет идеальным спутником как для путешественников, так и для студентов и специалистов в области истории архитектуры и искусства.

В 1785 году великий немецкий поэт Фридрих Шиллер написал “Оду к радости” и воплотил в ней самые сокровенные мечты европейского Просвещения. Девятая симфония Бетховена подарила словам Шиллера крылья, но столетие спустя та же “Ода к радости” была взята на вооружение нацистскими пропагандистами и извращена до невозможности. Когда речь заходит о том, как общество вспоминает об этих становящимися все более далекими катастрофах, на ум приходят книги по истории, архивы, документальные фильмы, мемориалы, высеченные из камня. Джереми Эйхлер предлагает прислушаться к музыкальным сочинениям-мемориалам Второй мировой. Автор страстно и откровенно доказывает силу музыки как памяти культуры, формы искусства, способной нести смысл прошлого. Автор показывает, как четыре выдающихся композитора – Рихард Штраус, Арнольд Шёнберг, Дмитрий Шостакович и Бенджамин Бриттен – пережили эпоху Второй мировой войны и Холокоста, а затем воплотили свой опыт в глубоко трогательных, трансцендентных музыкальных произведениях, которые и являются эхом утраченного времени. Эйхлер неутомим и изобретателен: он привлекает свидетельства писателей, поэтов, философов, музыкантов и простых людей. Он показывает, как целая эпоха была зашифрована в этих звуках и судьбах композиторов. Эйхлер посетил ключевые места, связанные с созданием музыки, – от руин собора в Ковентри до оврага Бабий Яр в Киеве. По мере того как угасает живая память о Второй мировой войне, “Эхо времени” предлагает новые способы слушать и слышать историю. Узнавать в этой музыке отголоски того, что слышала, о чем писала и мечтала, на что надеялась и что оплакивала другая эпоха. Эта книга, исполненная лиризма и сострадания к ее героям, заставляет нас задуматься о наследии войны, о присутствии прошлого в нашей сегодняшней жизни.

В формате PDF A4 сохранён издательский дизайн.

Книга посвящена наследию скульптора Меера Айзенштадта (1895–1961), выпускника скульптурного факультета ВХУТЕИНа и автора оригинальных скульптурно-архитектурных монументальных проектов. Издание, адресованное как специалистам, так и широкому кругу читателей, создано по мотивам выставки «Меер Айзенштадт. К теме синтеза 1930-х», прошедшей в 2019 году в галерее «На Шаболовке» (куратор Александра Селиванова), и включает статьи Александры Селивановой, Надежды Плунгян и Александры Шатских, а также воспоминания современников скульптора и интервью с художницей Женей Ржезниковой о том, как метод Айзенштадта соотносится с современным искусством. Большинство материалов публикуются впервые: авторы-составители вводят в научный оборот большой корпус ранее неизвестных скульптурных произведений, а также рисунков скульптора, которые представлены как одна из основ его художественного метода. Осмысляя эволюцию стиля Айзенштадта с 1920-х по 1950-е годы, издание освещает наследие мастера как цельный и значимый элемент в истории советского искусства первой половины XX века. Все права защищены